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Pour le dernier volet de la trilogie de Laia Abril consacrée au contrôle systématique des corps féminins, le BAL nous invite à pénétrer dans un espace aussi sombre que l’histoire qu’il décrit. Après l’avortement et le viol, la prétendue folie féminine se voit décortiquée à travers un ensemble de documents médicaux, d’archives et de photographies, ni vraiment documentaires, ni entièrement artistiques. Une expo entre installation esthétique, travail anthropologique et essai politique.

Dans un silence absolu, 68 dossiers méticuleusement organisés nous accueillent froidement. Froids comme le traitement accordé à ces femmes victimes de ces phénomènes – transes, évanouissements ou paralysies – qualifiés sans nuance d’“hystérie collective”. À travers trois études de cas collectifs – des épidémies de jambes paralysées dans un internat au Mexique en 2007, des évanouissements dans une usine du Cambodge en 2012 ou des tics dans un lycée américain la même année –, l’artiste démontre que ces pathologies collectives sont une réponse psychosomatique à l'oppression.

Presque pensé comme un livre (d’ailleurs, le catalogue d’expo est franchement magnifique), le parcours s’appuie sur une documentation étayée, mais surtout sur des images énigmatiques, où le flou reflète la déshumanisation de ces femmes devenues des “cas”. Ne pouvant pas parler, ces “malades” du monde entier ont laissé leur corps s'exprimer, le transformant presque en un outil de résistance – bien malgré elles. Une manifestation de la violence systémique racontée, voire sublimée, par une Laia Abril sans concession et un accrochage tout aussi radical du BAL. Un sans-faute.

L’or ne fascine pas que les rappeurs à grosses chaînes et les présidents américains au teint orange. Depuis l’Antiquité, on dit qu’il viendrait du ciel, qu’il serait né de la collision des étoiles, que ses pépites seraient des morceaux de Soleil tombés sur Terre… Alors, évidemment, pour s’approcher un peu plus du divin, les hommes ont vite décidé d’en faire des sapes. Un désir ancestral qui sert de point de départ à une exposition XXL du Quai Branly consacrée à l’or dans le vêtement.

Balisé par cinq pièces inédites et neuf costumes de la créatrice chinoise Guo Pei, le parcours chronologique et géographique raconte une quête de bling qui a transcendé les époques et les peuples, du Maghreb à l’Asie du Sud. On vous prévient : ce n’est pas une petite expo qui se fait au moment du dej, mais une véritable plongée dans une histoire d’or pour laquelle il faut prévoir au moins deux heures.

Dans une scénographie forcément luxueuse, l’exposition rassemble quelques pièces d’exception qui valent le déplacement à elles seules. On découvre ainsi, pour la première fois, les fragments du plus grand morceau de tissu d’or antique, datant de 4 550-4 450 avant J.-C. et découvert à Autun en 2020, de sublimissimes caftans marocains ou d’impressionnantes tenues de mariage brodées japonaises. L’occasion également d’en apprendre plus sur les différentes techniques qui ont permis à ces populations de mettre un peu d’or dans leurs étoffes, et par extension, d’asseoir un peu leur pouvoir par leur style. Un peu comme aujourd’hui, quoi.

Mukaish, sequins, feuilles d’or, Lurex… Grâce à une visite particulièrement pédagogique, on en prend plein les mirettes et on apprend pas mal de trucs à ressortir au dîner de vendredi pour épater la galerie. Et si aucune partie ne démérite, obligé de mettre un petit cœur aux pièces françaises. Entre les broderies de la maison Lesage et les créations de Dior et Chanel, on a été éblouis par le savoir-faire hexagonal !

Le nom de Nadia Léger ne vous dit sans doute rien. Figure méconnue de l’art du XXe siècle, cette esthète a été éclipsée de l’histoire de l’art par son mari, un certain Fernand Léger… Heureusement, le musée Maillol est là pour réhabiliter l’artiste et intellectuelle prolifique qu’elle était. Peintre élève de Malevitch, éditrice de revue, commissaire d’expo et militante communiste, cette Parisienne d’adoption a fait cohabiter ses racines biélorusses et les influences de l’avant-garde française dans son travail et dans sa pensée. 

La dernière fois qu’on a vu Chiharu Shiota sur le sol parisien, c’était à la galerie Templon en 2023, pour la poétique expo Memory Under the Skin. Depuis, celle qu’on surnomme “l’Araignée” préparait la plus grande monographie de sa vie : The Soul Trembles. Conçue pour le Mori Art Museum de Tokyo, l’exposition s’arrête aujourd’hui sous la coupole du Grand Palais pour retracer près de 25 ans de carrière de l’artiste japonaise.

Il fallait bien 1 200 mètres carrés pour accueillir les installations monumentales de Chiharu Shiota (on en compte quand même sept) ainsi que des travaux plus minutieux, photos ou vidéos de performance, tout ça rassemblé sur un parcours thématique. Y a pas à dire : le programme fait envie. Comme Jeanne Mas, la plasticienne tisse en rouge et noir un ensemble cohérent où œuvres introspectives et premiers essais dialoguent dans des espaces immersifs saisissants. 

Au-delà de l’aspect esthétique, l’exposition, rondement menée, nous permet de faire la rencontre d’une pionnière qui a tout essayé, entre expérimentation et tradition nippone. De son premier dessin d’enfant à l’évocation de l’incendie de sa maison dans In Silence (2024) en passant par sa performance corporelle douloureuse pour Becoming Painting (1994) et la menace d’un cancer des ovaires dans Cell et Rebirth and Passing (2019), Chiharu Shiota parle d’elle, des “frémissements de son âme”, et réussit l’exploit de le faire avec pudeur et grandiloquence à la fois. 

Seul bémol : l’exposition est victime de son succès, avec, dans un Grand Palais fraîchement rénové, une horde d'influenceurs du dimanche qui se massent pour prendre la pose devant les traumatismes manifestés par l’artiste. Mais on ne leur en veut pas : c’est tellement beau. 

Tout ce dont une femme a besoin pour écrire, c’est “de l'argent et d’une chambre à soi”, disait Virginia Woolf. Qu’aurait-elle pensé de notre ère où l’intime ne se conçoit plus derrière une porte fermée, mais dans un téléphone ouvert sur le monde ? C’est la question que pose le musée des Arts déco en dressant un état des lieux de cette notion complexe qui a tant évolué avec les époques. À travers 12 thématiques, L’intime, de la chambre aux réseaux sociaux nous plonge au cœur d’un voyage historique délicieusement indiscret. Ponctué de petites pièces reconstituées – la chambre, la salle de bains ou les toilettes –, le parcours multiplie les objets inédits pour parler d’un concept on ne peut plus humain : ce besoin d’introspection, de soin de soi, qu’il soit physique ou mental. 

Des toiles de Pierre Bonnard aux photos de Nan Goldin ou de Zanele Muholi, des artistes très divers s’affichent dans cette expo qui se découvre à travers le trou de la serrure. Si certaines, telle L’Intimité d’Edouard Vuillard (1896), tombent un peu à plat, d’autres, comme le fameux tableau de Fragonard Le Verrou (1777), témoignent de l'intérêt parfois obsessionnel des artistes pour le sujet. Autre coup de cœur ? Les grandes pièces de design rassemblées sous la nef centrale, du lit clos des frères Bouroullec au fauteuil carrément sexy de Gaetano Pesce, La Mamma. Un peu plus laborieuse (et franchement flippante), la dernière partie s’attaque au lourd dossier de l’intime à notre époque, des vlogs tournés dans une chambre d’ado aux systèmes de vidéosurveillance. Une section qui soulève bien des questions sans apporter d’éléments de réponse, faute de recul sans doute.

Rassembler peintures de maîtres, cuvettes de chiottes et screens du compte Insta de Léna Situations pour parler d’un sujet aussi nébuleux était périlleux. Mais comme à son habitude, le MAD relève le défi haut la main et réussit à traiter l’intime dans une expo XXL aussi légère que documentée. Chapeau.

Le musée laisse carte blanche à l’artiste française qui investit l’espace de carton savamment sculpté, transformant les volumes initiaux en de véritables éléments architecturaux tout droit sortis de la Renaissance.

Alerte rouge, sortez les gosses : « Certaines œuvres peuvent heurter la sensibilité… » Plutôt deux fois qu’une, même. À la Bourse, comme de coutume au royaume d’Araki, il y a de la nudité, des corps féminins languides et du kinbaku. Beaucoup de kinbaku, cet art ancestral du bondage japonais visant à entraver une personne à l’aide de cordes. Mais – surprise ! – parmi ce festival de peaux laiteuses empêtrées dans des positions inconfortables (aïe pour elles), il y a aussi le portrait d’un inconnu attablé dans un restaurant, quelques natures mortes et plusieurs paysages urbains.  Et pour cause : la centaine de pièces exposées, qui constitue la série Shi Nikki (Private Diary) adressée à Robert Frank (oui, oui, l’auteur du célébrissime Les Américains), ne s’articule pas exclusivement autour de l’érotisme, thème prédominant de l’artiste japonais.

Passionné par la sape et la mise en scène, le dandy africain développe la même aisance derrière et devant l’objectif. A la manière de Cindy Sherman, Samuel Fosso se grime pour illustrer la société dans laquelle il évolue, représentant aussi bien les icônes des indépendances – de Patrice Lumumba à Nelson Mandela – que des activistes américains luttant pour les droits civiques, Malcolm X et Angela Davis en tête de file. Mais, comme Leto et Arya Stark, le photographe a « 100 visages » : un pape noir, des femmes bourgeoises ou libérées, un homme d’affaires pressé… Mais qui se cache vraiment derrière ce roi du selfie aux nombreux personnages ?

Qui n’a jamais kiffé descendre à la station Palais-Royal - Musée du Louvre, sortie place Colette, pour se retrouver sous la coupole de perles magiques de Jean-Michel Othoniel ? Vingt ans après avoir pimpé les abords de la Comédie-Française et dix ans après son énorme rétrospective au Centre Pompidou, l’artiste français le plus poétique du circuit continue de nous enchanter en investissant l’un des lieux les plus romantiques de la capitale : le Petit Palais. “Self-care”, "Développement personnel”, “détox”… L’année 2020 a été – un peu malgré nous – l’année du “moi”, changeant notre rapport au miroir et à notre image, nous forçant à nous mater le nombril durant des mois de confinement. Intitulée Le Théorème de Narcisse, l’expo de Jean-Michel Othoniel nous renvoie à cet autoérotisme via l’histoire d’amour mythologique entre Narcisse et son propre reflet, en y ajoutant bien entendu sa petite dose de féerie.

Bien qu’à la retraite depuis un an, Jean-Paul Gaultier n’a pas dit son dernier mot ! En lui donnant carte blanche, la Cinémathèque offre au plus cinéphile des stylistes français l’occasion de monter une expo à son image, mêlant mode et grand écran. Jean-Paul Gaultier n’a jamais caché l’influence du 7e art sur son travail. De James Blonde à Et Dieu créa l’Homme en passant par Sleepy Hollow, le créateur invoque sa culture cinématographique pour nommer ses collections. Si toute la déambulation nous en apprend sur les inspirations ciné du créateur, et costumier à ses heures perdues (comment oublier les tenues du Cinquième Élément ?), on découvre aussi qu’elles ont façonné son goût pour la théâtralité – lui dont les catwalks n’ont rien à envier aux plus grosses productions hollywoodiennes. 

Après avoir longtemps peint les piscines californiennes, l’artiste de 84 balais se concentre désormais sur les paysages bucoliques du Calvados, présentés sous forme de fresque au musée de l’Orangerie. Inspirée du format de la tapisserie de Bayeux et non sans rappeler Les Nymphéas de Monet – voisins et véritables icônes du musée –, l'œuvre de 80 mètres de long nous invite à passer une année complète au sein du nouveau fief de David. Inspiré par la nature depuis toujours, celui qui avait signé il y a dix ans ses Landscapes réalisés dans son Yorkshire natal dépeint aujourd’hui le fil des saisons dans le pays d’Auge. Notre avis.

Quelle chance, les petits parisiens que nous sommes vont pouvoir profiter de 230 tirages issus de la collection exceptionnelle de Thomas Walther, acquise par le musée new yorkais dans le début des années 2000. Si vous vous attendez à voir un top 50 des plus grosses icônes de la photo, passez votre chemin. Collectionneur suisse proche d’André Kertész, au goût indéniable et passionné du 8e art, Thomas Walther a aussi bien su miser sur des petites pépites anonymes que sur des gros blazes de la discipline.

Comment une banale “artiste du dimanche”, décédée sans le sou ni le succès en 2009, s’est-elle retrouvée au Panthéon de la photographie, aux côtés d’un Robert Doisneau, d’une Diane Arbus ou d’un Henri Cartier Bresson ? Tout simplement parce que Vivian Maier sait trouver la beauté partout, absolument partout. Dans la rue. Chez elle. Chez les autres. C’est à travers un parcours thématique prenant place dans une scéno magnifique signée Anne Morin, commissaire de l’expo, qu’on comprend le génie qui caractérise Vivi. Entre street scene aux allures de ballets modernes, autoportraits savamment étudiés ou compo au style bien défini, tout le savoir-faire de la photographe prend vie dans une expo ultra réussie. Et alors que les historiens de l’art s’affrontent pour savoir si Vivian Maier est une réelle artiste ou un pur produit fabriqué, nous, on a choisi de se laisser bercer par ses images. Car parfois, il faut laisser l’art faire tout le travail. Et là, croyez-nous, le taf est fait.

“J’ai hâte de pouvoir faire du mauvais art et de m’en tirer” disait Damien Hirst dans les années 90. Qu’il se réjouisse, c’est chose faite ! Si on connaît le britannique pour ses œuvres ultra provocatrices - lui qui kiffe habituellement enfermer des animaux dans du formol -, c’est un peintre tout sage qui lui succède. Malheureusement un peu trop...