Les spectacles à voir en février 2014

Quiproquos, valets manipulateurs, amours secrètes, révélations finales… On a beau connaître sur le bout des doigts les ficelles du théâtre de Marivaux, rien n’y fait. L’écriture de ce génie du XVIIIe siècle réussit systématiquement à insinuer le doute dans nos esprits. Pourtant, on le sait que cette comédie se finira forcément bien. On les a déjà vus, ces deux-là, Dorante et Araminte, qui n’osent pas s’avouer leur amour mais qui, au bout du compte, se jetteront dans les bras l’un de l’autre. Quand bien même, jusqu’au dénouement on hésitera, on tremblera et on soupirera avec eux. « Eux » sont interprétés par Isabelle Huppert, Louis Garrel et Bulle Ogier. Rien que ça. Un casting bankable qui assure à l’Odéon un taux de spectateurs record sur ses fauteuils carmin. C’est qu’il faut un certain panache, une bonne dose d’intelligence textuelle et une sacrée expérience du plateau pour éviter que ces « fausses confidences » ne se résument à une énième lecture assommante et insipide. Luc Bondy en sait quelque chose, lui qui a déjà par trois fois mis le nez dans les affaires de Marivaux, et investit la scène à son service. Pour cette nouvelle mise en scène, le directeur de l’Odéon a invité sur son plateau une pléiade de comédiens aguerris. A commencer par Jean-Damien Barbin, qui campe un Arlequin au teint cendré et à l’interprétation nourrie de détails. Et bien sûr Isabelle Huppert irradie en Araminte mutine dans son pyjama ivoire siglé Dior, sans voler la vedette aux autres personnages

Un boxeur en short rouge coiffé d’une crête iroquoise. Un duo d’acrobates les yeux bandés. Des escarpins carmin qui se déplacent à l’aveugle… Mis en scène par Christophe Huysman, ‘Tétrakaï’ – spectacle de fin d’études du Centre national des arts du cirque – n’est jamais vraiment là où on l’attend. Sur un plateau circulaire repeint hâtivement en blanc, les treize artistes de la promotion vont confronter leur technique acrobatique à leur imaginaire, créant des liens entre les agrès et l’histoire (les histoires ?) qu’ils vont raconter. Le portique coréen se transforme alors en symbole de la fragilité des relations amoureuses – offrant au passage de magnifiques scènes de voltige. Le trapèze Washington devient le théâtre d’une bataille sans merci et au ralenti, le mât chinois un échappatoire vertical. Sans jamais quitter du regard l’aspect narratif de leur prestation physique, les interprètes se frottent malgré tout à l’agrès. Ils en délimitent les contours, profitent de leur éventuelle mobilité, ne forment plus qu’un.Et lorsqu’ils sont perchés à plusieurs mètres du sol, un fin câble les protégeant du drame, les artistes brillent de mystère et d’intensité. Pendus à leur trapèze, au sommet de leur mât ou les pieds dans le vide, ils reposent à la frontière avec le visible et l’invisible, tantôt humains, tantôt volatiles. Des scènes d’une grande beauté parasitées par un texte composite et invasif. L’on passe ainsi de « L’argent la fait vomir, il pèse trop lourd » à « Qui suis-je ? Je

Ça se bouscule aux portes du théâtre Mogador. La foule frétille d’impatience pour le lancement du spectacle musical venu de Broadway, 'La Belle et la Bête', version française. Une petite fille en robe de princesse, portée juste pour l’occasion, des parents excités, deux copines ou encore un couple de trentenaires apprêtés. Tous sont venus rechercher la féérie, ou retrouver leur âme d’enfant. On aura beau dire, c’est un peu ça, la magie Disney. La voix de Catherine Deneuve amorce le « Il était une fois » dans une belle sobriété, et nous raconte comment le Prince a été transformé en Bête. C’est alors que l’orchestre en avant-scène donne le ton du premier tableau, qui s’ouvre sur le village de Belle, transformant l’alcôve à l’italienne en véritable décor de situation, où les commerçants se croisent et chantent tout en vacant à leurs occupations. Les vagues souvenirs du dessin animé de 1991, rangés dans un petit coin de nos têtes, ressurgissent soudain comme par enchantement. L’héroïne, taxée d’intello par ses voisins, se fait courtiser par ce goujat de Gaston, et entretient une relation fusionnelle avec son illuminé de père, qui l’emmènera aux portes du château de la Bête. Tout y est. Le spectacle colle parfaitement avec Disney (l’affiche avait donné le ton) mais sans tomber dans la mièvrerie. Tous les ingrédients d’un bon divertissement sont réunis : des décors féériques, qui nous portent de tableau en tableau jusqu’à l’escalier central duquel descendra la Belle le soir du fame

Suivez l’odeur du chocolat fondu jusqu’au théâtre Paris-Villette pour venir découvrir une cuisine pas comme les autres. Après avoir couché son enfant, papa retourne aux fourneaux de sa chocolaterie. Mais il a beau lutter, ses paupières se ferment malgré lui et le sommeil le surprend. Profitant de l’occasion, les casseroles et les moules s’animent en un joyeux chaos nocturne. La Clinquaille enfile son plus beau tablier pour donner du joli théâtre d’objets et de marionnettes qui plaira aux bambins les plus gourmands.

Le théâtre de Pippo Delbono ne laisse pas indifférent. Il émeut. Il déchire. Il détient une beauté à la fragilité dure, une puissance tourbillonnante. Chacun de ses spectacles devient alors pour ses spectateurs une sorte de rituel que l’on ne manquerait pour rien au monde. Parce qu’au fur et à mesure des années, Pippo, Bobo et les autres sont devenus comme une famille. Des parents que l’on ne voit pas assez et que l’on est toujours heureux de retrouver. Après l’émouvant ‘Doppo la battaglia’, après ‘Amore carne’, Pippo revient avec ‘Orchidées’, pièce en forme de voyage à travers l’âme humaine... Lors de notre rencontre en juin 2013, le metteur en scène italien nous confiait la difficulté avec laquelle il vivait depuis la mort de sa mère. ‘Orchidées’ évoque ainsi ce sentiment prégnant d’être perdu, « d’avoir perdu des choses précises, le sens du théâtre, de la représentation ». « L’orchidée, tu ne sais jamais si c’est vrai ou si c’est un mensonge » raconte l’homme de théâtre. Pour son spectacle, Pippo Delbono a fait appel au théâtre bien sûr, mais également à la danse, au cinéma et à la photo. Il a convoqué des pontes de l'écriture théâtrale (Shakespeare, Tchekhov) et a mélangé tout ça à son quotidien. « Un mélange explosif dans lequel tu retrouves le sens du théâtre et le sens de la vie. » Joli programme.

On a beau y être allé des dizaines de fois, la mythique salle Richelieu suscite toujours un sentiment particulier. En ce qui me concerne, ce n’est pas tant le velours des fauteuils ou la richesse des dorures qui font briller mes yeux mais le sentiment d’entrer dans un lieu historique. Un lieu où des générations d’acteurs et de techniciens font perdurer cet art un peu fragile. Depuis qu’un sacré coup de jeune a été donné à sa programmation et à ses choix artistiques, la Comédie-Française peut se targuer de proposer des saisons hétéroclites, de la petite lecture contemporaine intimiste au grand classique racinien. Un vrai bouillon de culture ! C’est en partant de cet état de fait que Véronique Vella a choisi de montrer ce que l’on pourrait appeler le « défi ‘Psyché’ ». D’un côté, elle part du théâtre, de sa propre cage de scène et des décors qui s’y entassent en attendant leur tour. Et de l’autre, elle prend à bras-le-corps cette pièce de plus de 4 heures, la triture un peu pour la rendre plus digeste. Elle décide de la jouer, comme on jouerait entre amis ou entre deux levers de rideau, avec les moyens du bord. Cet angle permet de suivre Psyché, avec facilité et évidence, du monde des vivants au monde céleste où elle retrouve L’Amour (Cupidon pour les intimes), puis aux enfers, et enfin chez Jupiter, au milieu des planètes. Même les intermèdes musicaux, qui tombent habituellement comme un cheveu sur la soupe, participent de cette fluidité entre des tableaux radicalement opposés